Instalações
Scottie Chih-Chieh Huang • Sensitive Floral
Castelo Branco, Fundão, Covilhã
Uma animação computacional abstrata gerada através de morfogênese baseada em regras. A obra desenvolve-se em três capítulos — Crescimento, Simetria e Malha — cada um deles enquadrando uma fase distinta de emergência. Um organismo virtual expande-se a partir de um único eixo através da reescrita do sistema L, enquanto um autómato celular (CA) impulsiona a adaptação, acumulando e propagando valores de estado através do espaço e do tempo. Esses estados em evolução orientam a ramificação, a reorientação e a densidade, moldando uma linguagem visual de arcos, halos e consolidações em forma de rede que ecoam a filotaxia botânica, mas permanecem puramente computacionais. Renderizada numa paleta restrita de preto e branco, a animação destaca a construção temporal: como regras iterativas e feedback que se traduzem em transições perceptíveis entre coerência, instabilidade e reestabilização na fronteira entre a visualização científica e a abstração estética.
Scottie Chih-Chieh Huang é um artista, designer e educador cujo trabalho desenvolve sistemas generativos inspirados na natureza, usando morfogênese baseada em regras para explorar a abstração estética, a descoberta de formas estruturais e o comportamento responsivo, semelhante ao de uma agência, por meio de instalações cinéticas e interativas. O seu trabalho foi apresentado no ZKM, ACM SIGGRAPH, CHI, Ars Electronica (Expanded), IEEE VISAP, ISEA, ALIFE e Bridges, e destaque na Domus, ELLE Decor Italia, FRAME, Leonardo (MIT Press) e Enzyklopädie der Medien (Hatje Cantz), de Peter Weibel. É professor associado na Universidade Nacional Tsing Hua (Taiwan) e atualmente é bolseiro Fulbright na Universidade de Syracuse.
Diogo Alvim • Solo
Solo explora o objeto artístico como um dispositivo para interagir com o lugar. Com este projeto, experimento uma expansão do meu trabalho do palco para o domínio da instalação, envolvendo elementos esculturais, arquitetónicos e performativos.
O título alude, de forma ambígua, a uma relação com o solo (solo em português), a superfície sobre a qual a maioria das nossas atividades se realiza, cuja materialidade interfere constantemente com os nossos corpos e a sua relação com o espaço, a arquitetura e o lugar. O solo, cuja expressão varia de local para local, é omnipresente — um elemento fundamental da vida humana, mas também uma superfície limite que esconde um interior subterrâneo, visceral e subconsciente.
Um bloco de betão é lentamente arrastado pelo espaço da galeria, revelando de forma audível as texturas, imperfeições, densidades e microconfigurações do piso de betão. O som dessa fricção é amplificado, transformado e difundido por alto-falantes posicionados em diálogo com uma linha de força que estabelece uma relação específica com a sala. Na resistência oferecida pelo solo ao movimento do bloco, é a fricção que se torna audível. Mas o solo não é meramente um instrumento: a fricção é quase uma inscrição, quase uma gravação e, simultaneamente, uma (re)produção.
O título Solo também sugere um modo performativo — um ato solo. Esta possibilidade inclina a peça para o domínio da performance, transformando o objeto arrastado numa espécie de performer: presente, vivo. Desta forma, a instalação assume uma dimensão performativa, desenrolando-se como um evento cíclico que é repetidamente reiniciado, com uma duração moldada pelas dimensões da sala.
Diogo Alvim trabalha entre a música e as artes sonoras, explorando as suas interações com a arquitetura, contextos específicos e outras artes. Está interessado em expandir a prática da composição sonora como um dispositivo de investigação e transformação. Estudou arquitetura e composição em Lisboa. Em 2016, concluiu um doutoramento em Composição/Artes Sonoras no Sonic Arts Research Centre, em Belfast, com foco nas relações entre música e arquitetura. Atualmente, leciona Artes Sonoras na ESAD Caldas da Rainha e é investigador integrado no CESEM, FCSH – NOVA. Colabora regularmente com artistas visuais e sonoros, coreógrafos e diretores de teatro, em produções tão diversas como instalações, vídeo, dança, performance, passeios performativos e outros híbridos.
João Data
• Komorebi
Castelo Branco
Instalação luminosa utilizando vários projetores. Criar conteúdo para vários projetores que pode ser apreciado olhando diretamente para o feixe de luz é um alfabeto em si mesmo que gera uma percepção holográfica e tridimensional da luz. Estas traduções simples ilustram a passagem dos desenhos 2D no ecrã para o que o público percebe com o uso da luz projetada. O uso destas diretrizes distribuídas em seis saídas e modalidades diferentes como única fonte de luz criou uma arquitetura de luz dinâmica totalmente imersiva. A luz exibida e projetada pelo projetor de vídeo não para de se reproduzir até atingir as paredes do espaço do teatro.
João Data (João Beira) é um artista visual, diretor de arte e investigador que trabalha em visualizações imersivas e aumentadas. É doutorado pela Universidade do Texas, Austin, e tem o mestrado em Artes Multimédia pela Universidade do Porto. É o fundador e diretor criativo da Datagrama visuals, um coletivo de artistas-programadores internacionais que criam ambientes imersivos e realizam visualizações ao vivo. Na última década, João e Datagrama têm vindo a colaborar com artistas como Tipper e a apresentar instalações artísticas e performances ao vivo em festivais de arte internacionais de renome e eventos como SXSW e Burning Man. Desde 2016, João é também responsável pela direção de arte vídeo do Boom Festival.
Docente na Athens State University desde 2025 na área de Multimédia Design (tenure). O seu percurso docente recente inclui uma passagem pela Universidade de Michigan (2022–2025) e uma extensa colaboração com diversas instituições do ensino superior em Portugal, nomeadamente a Universidade do Porto (FEUP), ESMAD e o Instituto Politécnico de Castelo Branco, consolidando uma carreira focada na intersecção entre arte, design e tecnologia.
Conceito / Direção de Arte: João Beira
Design de Som: David Wesley e Gustavo Magalhães
Programação: Daniel Schaeffer
Daltonic Goose • Encounter
28 fevereiro, 17h, Fábrica da Criatividade, Castelo Branco
Instalação multimédia interativa, Encounter é uma representação física de uma forma de vida alienígena – “A Estrutura” – inserida num universo narrativo fictício. Os humanos experimentam a sua presença através da estimulação da visão e da audição. Explora a comunicação e como ela pode ser alcançada através de processos não verbais (não falados, não escritos).
Daltonic Goose Labs (daltonicgooselabs.com) é a plataforma criativa multidisciplinar criada por Diogo Marques, dedicada ao desenvolvimento e apresentação de meios digitais experimentais. Operando na intersecção entre tecnologia, som e artes visuais, a iniciativa consolida uma gama diversificada de projetos, incluindo arte multimédia, produção de música eletrónica, design audiovisual, experiências de programação, design gráfico e engenharia DIY.
Carlos Guedes • Música para Estações de Comboio
Obra em estreia absoluta. Encomenda do Festival Multiverso.
Carlos Guedes tem uma atividade composicional multifacetada, contando com inúmeros projetos encomendados para dança, teatro, cinema, bem como música de concerto convencional. Em 2019, teve a sua 80.ª estreia pública, e o seu trabalho tem sido ouvido em inúmeros festivais e salas de concerto, incluindo The Kitchen, Joyce SoHo, Judson Church, ArCo, De Waag, SXSW, Teatro Nacional de S. João, SIGGRAPH, Shanghai eArts, Casa da Música, Expo '98, Expo 2020, NYUAD Arts Center, Porto 2001, Guimarães 2012, Beijing Modern Music Festival 2016, Sharjah Flag Island Festival e Asia Culture Center (Gwangju, Coreia do Sul).
A sua música é eclética, combinando influências que vão do industrial à world music, das tradições eruditas ocidentais à improvisação livre transcultural, utilizando frequentemente tecnologias computacionais como ferramenta para expandir ainda mais a expressão musical. Colaborações recentes incluem «Fragile ecosystems» (2019) para bombo e eletrónica, encomendada por (e dedicada a) João Dias; «Uma coisa longínqua» (2020, Teatro de Ferro, dir. Igor Gandra); «Neve» (2021, Balleteatro, coreografia de Né Barros); «Jardineiro imaginário» (2022, Teatro de Marionetas do Porto, dir. Isabel Barros).
Em 2021-2022, Carlos Guedes foi compositor residente na Drumming GP, onde desenvolveu o ciclo para percussão e música eletrónica fixa intitulado «Time Poetries», com uma duração de cerca de 50 minutos (estreia completa em 2023). Recentemente, lançou o álbum «Shadows and reflections» (2021) com o seu duo Chess, com o pianista dinamarquês Nikolaj Hess. Algumas das suas músicas estão disponíveis nas plataformas de streaming Spotify, Apple Music, YouTube, Bandcamp, etc.
Carlos Guedes é professor associado de música na Universidade de Nova Iorque em Abu Dhabi, onde cofundou o grupo de investigação Music and Sound Cultures (MaSC).